Elles, l’art des femmes : celles d’ailleurs

Après une conférence sur « L’art des femmes » dans le cadre de l'association "Correspondance" consacrée aux artistes d’ici, (celles d'ici), ce 2 mars, Brigite Bardelot nous revient pour nous présenter le volet dédié aux autres artistes, celles d’ailleurs, mais de fait on se limite aux Européennes et Anglo-saxonnes, en les classant par époque : les grands-mères, les mères, les filles.

Les femmes sont rares dans l’art jusqu’au 19^ème siècle avec deux exceptions : l’Italie et les Pays-Bas ; l’Italie car l’art y est si important qu’il y est impensable d’en exclure les femmes et les Pays-Bas où la morale protestante y est plus permissive.

Les Grands-mères

Catarina Van Hemessen (1528- après 1587). Issue d’une famille de peintres flamands, elle est la première peintre dont les œuvres soient connues. Elle est l’auteur du premier autoportrait connu (1548) et de la première mise en abyme. Sur son autoportrait, elle se représente avec les vêtements de sa classe sociale et non en vêtements de peintre.

Sofonisba Anguissola (1535-1625). Italienne de Crémone, elle bénéficie des cours des meilleurs peintres. Elle rejoint la cour d’Espagne. Elle peint beaucoup de portraits et de peintures religieuses et accède de son vivant à une renommée européenne, Van Dyck fait son portrait en 1624.

Judith Leyster (1609-1660) peint des scènes de genre (taverne, scène de musique …). Son autoportrait ne la montre pas en costume adapté à son art mais caractéristique de son statut social. Son chef d’œuvre lui permet d’intégrer la ligue de Haarlem.

Artemisia Gentileschi (1593-1653), représentante du baroque italien très inspirée du Caravage avec les torsions du corps, l’énergie dans ses toiles, l’utilisation des clairs obscurs. Violée à 19 ans, malgré les antécédents de son violeur, c’est elle qui est soumise à la question. A la suite de ce drame, elle casse les tabous de la violence, elle se représente se vengeant  de son violeur dans des tableaux saisissant de réalisme. Beaucoup de tableaux autrefois attribués au Caravage sont maintenant reconnus être son œuvre. C’est l’une des meilleures artistes de tous les temps.

Rosalba Carriera (1675-1757) Miniaturiste vénitienne elle évolue vers la peinture au pastel sec. Spécialiste du portrait elle peint toute la noblesse européenne (dont Louis XV enfant). Reçue à l’Académie Royale, elle  eut un succès considérable en France et a influencé les plus grands artistes de son temps (Vigée-Lebrun, Rigaud …).

Mary Cassatt (1844-1926), née à Baltimore, elle s’installe à Paris et suit les évolutions des différentes écoles, de Barbizon à l’impressionnisme puis  elle est influencée par les nabis et à la fin de sa vie par le japonisme. Grande coloriste, dans ses tableaux elle met l’accent sur la psychologie. Amie de Berthe Morisot, elle fait connaitre l’impressionnisme aux Etats-Unis.

Natalja Gontcharova (1881-1942) Inspirée par la vie quotidienne et le folklore russe, elle évolue au début de sa carrière entre expressionnisme et fauvisme, elle est influencée par le futurisme italien (représentation de l’effet de vitesse). Après sa rencontre avec Picasso, elle mêle futurisme et cubisme. Elle a beaucoup travaillé avec Diaghilev.

Hannah Höch (1889-1978) évolue dans le mouvement Dada, elle expérimente le photomontage et collage pour un anti-art dadaïste. Très intéressée par la modernité, son œuvre est une critique sociale et politique.

Les mères du modernisme

Georgia O’Keeffe (1887-1989). Elle évolue entre figuration et abstraction utilisant des couleurs intenses elle est attirée par la luminosité changeante d’un même paysage réduit à sa plus simple expression (Lake George). Ses tableaux ont une connotation très sensuelle.

Tamara de Lempicka (1898-1980) Dans un style art déco, elle se spécialise dans les portraits de stars. Ses œuvres d’inspiration néo cubiste sont d’une beauté froide, minérale : des œuvres « propres » !

Dorothea Tanning (1910-2012) Représentante du surréalisme américain avec des intérieurs froids et des détails figuratifs très précis dans des assemblages mystérieux. Elle change de style dans une 2^ème phase avec des œuvres plus allusives où des corps émergent d’un fond onirique.

Deborah Remington (1930-2010) dans la mouvance beatnik produit une œuvre très originale, très géométrique où fond et 1^er plan se mêlent, ses formes sont très tranchantes.

Les filles

« Les œuvres d’aujourd’hui ne sont pas sublimes, elles sont symptomatiques ! » L’artiste est plutôt en recherche d’identité et essaie de réagir à un malaise social ; l’art devient un médicament.

Marina Abramovic (1946 …) performeuse, elle met son corps dans des situations extrêmes, le public est partie prenante de la prestation. Marina Abramovic conçoit ses œuvres comme un rituel pour sa propre libération. L’objectif de toute performance est de pousser à la réflexion. Toute sa vie est mise en scène en utilisant les médias.

Cindy Sherman (1954 …) photographe performeuse, elle modèle son corps, sans le mettre en danger, en s’inspirant de la culture populaire pour en tirer des portraits photographiques. Entre un côté comique et un côté un peu effrayant, elle critique la société contemporaine.

Jenny Holzer (1950 …) interroge la place du langage dans la cité. Remettant en cause musées et galeries, elle projette ses textes illuminés sur des endroits spécifiques. Ses messages subversifs et violents s’adaptent au support de projection.

La peinture sur chevalet a quasiment disparue de l’art contemporain, ne subsistent que quelques œuvres de très grands formats : voici deux exemples.

Tacita Dean (1965 …) s’intéresse au temps, de sa fugacité aux traces du passé. Elle réalise des dessins de très grands formats à la craie sur tableau noir avec une précision photographique. Elle réalise également des dessins à la gouache et encre sur des supports photo argentiques (elle est une militante de l’argentique pour l’art)

Jenny Saville (1970 …) Obsédée par l’obésité et l’élasticité des chairs, elle donne une représentation autre du corps féminin en dehors des modèles de la société. Malgré leur caractère déstabilisant, l’auteur montre tendresse et empathie avec ses modèles (à qui elle donne souvent son propre visage). Ses œuvres sont monumentales réalisées à la peinture à l’huile (technique la plus ringarde !).

En matière d’œuvre textiles, Brigite nous présente « deux mères et une fille ».

Jagoda Buic (1930 …) Elle réalise une synthèse entre tapisserie et architecture, elle donne une 3^ème dimension à la tapisserie traditionnelle. Elle utilise des fibres naturelles (chanvre, sisal …) pour leurs qualités esthétiques mais également pour les qualités tactiles.

Sheila Hicks (1934 …) Admiratrice du Bauhaus, elle est fascinée par les traditions textiles primitives du monde entier. Elle donne du relief  à la tapisserie, crée des fresques …

Joana Vasconcelos (1971 …) Artiste portugaise, elle fait dans la démesure et parle des femmes entre glamour et cuisinières (escarpins géant de faitouts et de casseroles) mais elle s’exprime le mieux dans l’art textile. Son œuvre évoque la bonne humeur, la fête ; le kitch fait partie du sujet.

Et Brigite conclue la conférence par une série de statistiques très parlantes sur la place des femmes dans tous les domaines de l’art, depuis les 5% de femmes artistes présentes dans les musées et les collections publiques jusqu’aux 60% de filles diplômées dans les écoles d’art en France.